Топлайн

Сочетание текста и вокальной мелодии в современном сонграйтинге называется топлайном. Написать его – первоочередная задача сонграйтера. Всë остальное он может делегировать кому-то еще либо сделать позже, выступив уже в другой роли – аранжировщика или продюсера. Эти профили можно совмещать, но не стоит путать.

По сути, топлайн – это уже смысловая основа песни, которая затем оформляется в демку (или демо – демонстрационную версию, звуковой набросок идеи), а после – и в аранжировку. У акустической версии под гитару и релиза с аранжировкой во весь рост может быть один и тот же топлайн – одна и та же песня в разных версиях, а всë прочее оформление может отличаться.

Мы только что рассмотрели варианты последовательности действий, но иногда топлайн создается одновременно в форме текста и вокальной мелодии. Это мой любимый подход – просто потому, что слова и музыка лично ко мне часто приходят одновременно. Не вижу смысла убеждать, что к нему нужно стремиться: творчество – процесс интимный, и можно подсказать, на что обратить внимание, составить структуру возможностей, но нельзя навязывать видение как единственно верное. Я была на месте тех, кому его пытались навязать – повторять не будем.

Есть один популярный способ писать топлайны, который появился не так давно – насколько мне известно, им пользуются крупные сонграйтеры, работающие в коммерческих целях. В первую очередь, люди целенаправленно собираются в студии с целью написать материал. Фонограмму с готовой гармонией и ритмом запускают в программе звукозаписи, вокалист-топлайнер встаëт перед микрофоном и поëт под него всë, что приходит в голову, пока не придет интересная идея. Топлайнер может входить в команду сонграйтеров с разделением труда – либо эту роль может выполнить автор, в одиночку работающий над песней.

На первый взгляд, такой подход может способствовать написанию однотипных песен, так как ритмические и гармонические рамки задаются готовым битом и человек импровизирует в этих заданных условиях. С другой стороны, не хочется недооценивать мастерство импровизаторов – ведь те же джазовые музыканты могут джемить вместе, именно заранее договорившись о гармонии и музыкальных размерах (не знай они, в каких рамках будет проходить коллективная импровизация, получалась бы лишь какофония).

В любом случае, полезно знать, что иногда песня рождается прямо в процессе пения. И – творческий акт может быть запланирован. Есть в этом есть нечто шаманское, если не подходить к этому слишком цинично и не относиться лишь как к методу оптимизации рабочего процесса (хотя и это – важно). Возможно, это помогает высечь искру идеи и после развить ее в полноценное произведение. Ведь никто не торопит нас выпускать первую же версию с исходным шаблоном в ритме и гармонии, верно? А в поиске идей все средства хороши.

И все-таки мой любимый вариант – когда первые слова спонтанно приходят вместе с мелодией, их можно без бита сразу напеть в диктофон, записать текст в блокнот – а потом уже разбираться, что с этим делать в плане смыслов, темпа, жанра и других деталей. Возможно, поэтому мои песни получаются такими разными, хоть их и объединяют общие черты.

Как вы чувствуете, какой подход ближе именно вам?

Стихи и песенные тексты – близнецы, которых лучше не путать

Итак, есть разные методы написания песни, и выбор последовательности сильно зависит от того, к какой деятельности вы больше привыкли и что конкретно вам дается легче. Подводные камни при этом можно обойти, смягчить – и всë это возможно, если видеть взаимосвязи и терпеливо прорабатывать сложные части. Если бы вы были настроены делать хорошо только то, что получается хорошо с первого раза, а остальное – как получится, думаю, эта книга бы вряд ли вас заинтересовала.

Если вы задумались о написании песен, возможно, вы уже писали стихи или музыку по отдельности. Может быть, вы блестяще пишете прозу или посты в соцсетях или вы имеете опыт в создании инструментальной музыки – и вот решили попробовать себя в песенном формате. Важно разобраться, как с вашим имеющимся базисом и навыками настроиться на новую деятельность, чтобы привычные паттерны не становились ограничивающими убеждениями, а наоборот – помогали вам двигаться дальше.

В этой книге будет много деталей, очевидных для одних, а для других они будут откровением и недостающим кусочком пазла. Все дело в разнице бэкграундов. Если что-то покажется вам излишне подробным, очевидным и простым – прошу набраться терпения! Или сразу переходить к тем частям книги, которые интересуют вас больше и помогут пролить свет на какие-то пока недостаточно подсвеченные для вас части системы.

Вернемся же к теме!

Иногда песню считают (и называют) стихами, положенными на музыку. Так было в советской традиции, когда над песнями работали поэты-песенники и композиторы, как, например, соавторы Пахмутова и Добронравов. Русский рок и бардовская песня также представляют собой чистый пример стихов, пропетых под гитару, на уровне жанра и идеологии. По этому принципу рождались и будут рождаться очень разные песни с колоссально разной глубиной проработки и проникновения текстов и музыки друг в друга.

Случаи, когда стихи известных поэтов берут и «кладут на музыку» – как бы это ни звучало – очень распространены. Бывает и так, что артист берет текст у одного автора, а музыку – у другого, и как-то их объединяет; так порой возникают песни, текст и музыка которых написаны вообще в разные эпохи.

Качество результата при этом зависит не столько от метода, сколько от того, кто и насколько скрупулезно доводит дело до логического завершения. Кому-то хватает гитарного чëса во дворе. Кто-то способен развить старинные стихи в романс, исполненный с оркестром.

Как мы недавно отметили, случается, что и на существующую музыку пишут слова. Многие рэперы берут готовые биты и начитывают на них свои тексты. Иногда биты покупают, иногда даже берут в аренду. Конечно, такой инструментал никак не учитывает содержания текста, нанесëнного поверх.

Всë это в природе существует и так создается часть песен. Поэтому нельзя сказать, что стихи и песенные тексты не могут быть друг другом!

И всë-таки – это не одно и то же.

И тут кроется ответ для тех, кто недоумевает: «почему-то я пишу песни, а получаются стихи» (хотя, может быть, это кокетство?). Или для тех, кто не понимает, почему отличный песенный текст, если его зачитывать с выражением, как стихи, звучит нестройно.

Оставьте волнение. Всë нормально. Стихи и песни – это просто не одно и то же!

Хорошие стихи могут не годиться в песенные тексты. Хорошие песни могут не читаться как стихи.

Братья-близнецы могут сдавать друг за друга экзамены или ходить друг за друга на свидания. Но не должны. Песенные тексты и стихи могут выполнять функции друг друга. Но не должны.

Хотя никто вам не запретит начать писать песню со слов, а потом уже подключить музыкальное оформление этого текста, внося коррективы и в то, и в другое, согласуя их между собой, чтобы на выходе получилась песня.

В чем различия?

В функциях, задачах, форме и фонетике. В энергии. В певучести. В ритме. В способе, которым текст озвучивается. В самостоятельности звучания текста без музыки. Во взаимодействии и взаимном влиянии текста, мелодии, гармонии и ритма – а в случае с аранжировкой еще и саунд-дизайна, который невероятно важен в создании атмосферы: он способен подчеркнуть, а то и перевернуть смысл озвученных слов.

Стихотворение в этом смысле – волк-одиночка. Оно само держит форму и контекст. Песенная лирика работает в команде. Она может как задавать форму, так и принимать ее от музыки. В свою очередь, музыка может подчеркнуть очевидный посыл текста или перевернуть его, создав иной контекст и дополнительную глубину возможных смыслов. В таком случае песенный текст, извлечëнный из своего музыкального экзоскелета, может выглядеть неважно. Давайте вернëм его на место.

Стихи, в которых не соблюдëн заданный размер, скорее всего, будут оцениваться как плохие. В песенном же тексте допустимы – и бывают очень нужны – паузы, синкопы, затакты, орнаментации и вариации. Хоть и стоит в основе придерживаться базового ритма, заданного в тексте, а украшения вводить осторожно. Можно сказать, песенный текст вбирает в себя принципы построения мелодии и вариации не меньше, чем литературный.

Конечно, можно использовать одно в качестве другого: и там, и там – рифмованные строки. Но оценивать качество текста по тому, получилось это или нет – не стоит. Ведь положить слова на музыку – все равно что сделать бутерброд, и совсем другое дело – взять ингредиенты, учесть их свойства, сочетаемость, методы обработки и подружить, создав высококлассное сбалансированное блюдо.

Бутерброд может быть очень вкусным и качественным, но от высокой кухни его отличает глубина проработки. И, конечно, мы ничего не имеем против тех, кому достаточно хороших брускетт!

Но раз уж мы здесь – попробуем дать тексту существовать в своей естественной среде, для которой он создавался, и не мучить стихи переложением в песню. Ну а поэтам – мастерам слова, желающим делать именно песенные тексты, – можно приступить к изучению того, как слова песни взаимодействуют с музыкой и как происходит та самая небутербродная кулинария.

Текст, мелодия, гармония и ритм как единый организм

Итак, текст песни задает семантику песни и может быть либо центральной, либо декоративной его частью.

Если взять какой-нибудь альбом, в котором наряду с песнями есть инструментальные композиции, и посмотреть их прослушивания, у песен их окажется намного больше. Это говорит о том, что люди гораздо больше слушают треки с вокалом и текстом, чем композиции, в которых вокала нет.

И это одна из причин, почему композиторы и музыкальные продюсеры – например, пишущие EDM – могут изучать и пробовать сонграйтинг. Это оправданный вклад в масштабирование своей аудитории.

Если мы говорим о жанрах, которые поются, текст очень плотно связан с вокальной мелодией. Мелодия и ритмический рисунок вокальной партии базируются на тексте (либо создают жëсткие рамки для его написания).

Когда текст и мелодия гуляют сами по себе, песня звучит невнятно, смысловые акценты теряются. Это довольно часто происходит в таких песнях, которые включаешь, начинаешь слушать и не хочется продолжать. Во многом это происходит потому, что если в тексте не соблюден ярко выраженный ритмический рисунок, то сыпется и ритм вокальной партии, а для воспринимаемости и запоминаемости мелодии структура невероятная важна. Причëм совершенно необязательно, чтобы она была очень простой и примитивной, либо, напротив, изысканной и сложной. Для начала она должна быть продуманной и соблюдаться.

Многие авторы любят писать сложно, но не любят делать это структурированно. В этом нет проблемы, если у вас при этом нет обиды на слушателя, которого мало.

Люди выбирают то интересное, что им комфортно воспринять. В этом нет их вины. В этом есть закономерность восприятия, которая будет работать, нравится нам это или нет.

Управляемая сложность, выстроенная на четкой основе, дает не менее изысканный и в то же время слушабельный результат.

Задача автора песни – выстроить взаимосвязь текста, мелодии, ритма и гармонии так, чтобы песню хотелось слушать до конца. И переслушивать.

Какую роль выполняет гармония? Она создает контекст, окружая мелодию фоном и окрашивая ее, ведь ноты мелодии создают общее звучание, общую вертикаль с нотами гармонии.

Гармония создает и ведет настроение в песне: смена аккордов может звучать эмоционально или меланхолично, зловеще или очень комфортно, повышать напряжение и разряжать обстановку. Многие песни построены на одних и тех же комфортных гармонических схемах, другие же намеренно ломают эту систему, чтобы привнести свою оригинальность. Иногда это звучит гениально, иногда – откровенно не очень. С этим можно поэкспериментировать, если делать это осознанно.

Методы работы с текстом, ритмом, мелодией и гармонией мы рассмотрим в специальных главах.

Форма песни и ее структура

Песня считается запевно-припевной, или куплетно-припевной, музыкальной формой.

Мы с детства знаем, что в песне, как правило, есть разные куплеты, повторяющийся припев и они чередуются. Это базовая куплетно-припевная форма, но не единственная.

Знание возможных вариантов помогает расширить возможности автора, поэтому полезно слушать референсы, определяя их структуру относительно событий формы – их состава и последовательности, а также того, как один и тот же вид события меняется по ходу песни.

Зачем анализировать форму референсов? Это дает представление о том, какими могут быть варианты. О том, как чаще всего делается в нужном вам жанре. О том, как люди привыкли воспринимать информацию. И о том, какие именно правила вы будете нарушать, если сильно этого захотите!

Возможные события формы

Интро – вступление. Это крайне ответственная часть, потому что если слушателя не вовлечет в песню за первые три-четыре секунды, он с большой вероятностью переключит трек. Звезды первой величины могут позволить себе длинное интро. Музыкант, желающий заявить о себе, – вряд ли. Иногда фрешмены и ноунеймы делают очень длинное саунд-дизайнерское введение, когда нужно слушать несколько секунд, чтобы добраться до мелодии, не то что до вокала! Не стоит поступать так с собой, можно быть хитрее. Пространственные вставки отлично пригодятся в концептуальным альбоме, в конце треков для плавного перехода, но не в начале. Когда новый человек включил ваш трек, у вас есть несколько секунд.

С точки зрения драматургии вступление создает экспозицию. Здесь можно показать основную фишку гармонии или проанонсировать хук из припева. В популярной музыке в качестве интро иногда ставят адаптированную версию припева, чтобы взять быка за рога и сразу завладеть вниманием слушателя.

Куплет – основной стройматериал песни. В куплетах ведется повествование, описывается ситуация, происходит сторителлинг. Куплеты строятся по единому ритмическому и мелодическому рисунку, их форма должна быть едина. Различия – в тексте и в оформлении аранжировки. Идеально, когда второй куплет уже знаком и понятен по первому и при этом привносит что-то свое, не давая слушателю заскучать. Тут уместно вспомнить о балансе «что-то знакомое + что-то новое».

Куплеты могут обладать простой и предсказуемой структурой либо состоять из разных этапов с разной ритмической и мелодической основой, но если эта конструкция возникла в первом куплете – ее стоит повторить и во втором (и в последующих, если в выбранной вами форме куплетов много). Слишком различные между собой куплеты запутывают слушателя и снижают запоминаемость песни. Впрочем, это не запрет: приоритеты и цели расставляет автор.

Припев – повторяющийся элемент, призванный запомниться слушателям и сделать песню узнаваемой. Припев – это высокая точка эмоциональной разрядки. Припев тоже может иметь сложную структуру, например, эмоциональную часть и повторяющийся хук.

Впрочем, хук – не столько структурная часть песни, сколько ее яркая изюминка, застревающая в голове. Хуком может быть и припев, и рифф, и элемент саунд-дизайна.

Пред-припев (пре-хорус) – событие формы между куплетом и припевом. Его функция – разгон, создание ощущения «сейчас жахнет». Если в куплете напряжение накапливается и нарастает, а в припеве взрывается, то пред-припев призван создавать ощущение «сейчас рванëт». Иногда вместе с пред-припевом или даже вместо него отлично работает внезапная пауза.

Пост-припев (пост-хорус) – продолжение припева, в котором соблюдается та же гармония, но присутствуют существенные изменения. Весь текст припева в пост-хорусе уже не озвучивается, остается только послевкусие, впечатление. От проигрыша, или мини-бриджа, пост-хорус отличается тем, что он сделан на основе припева и закрепляет эффект от него. Вместо повторения текста может повторяться только хук либо могут звучать отдельные фрагменты, нарезанные из вокальной партии (вокальные чопы). Может звучать упрощенная вариация припевной мелодии.

Паузы тоже можно считать событием формы. В некоторых жанрах есть ямы, в которых музыкальная ткань становится сильно разреженной. Хорошо работают и частичные пробелы в партиях, и полная тишина на всех дорожках перед важным моментом в песне. Резкий спад в правильно выбранном месте – пауза во всей аранжировке либо пропуски ожидаемых элементов ритмического рисунка – здорово привлекает внимание, будоражит слушателя и помогает ему с интересом слушать дальше. Как изучить возможности пауз? Слушать референсы и замечать, как они используются в признанных хитах и лично вами любимых песнях.

Бридж – мостик, которых в песне, как в Питере, и все разные. Кто-то называет бриджем короткий проигрыш между припевом и следующим куплетом. А большим бриджем можно назвать уникальную вставку после пары куплетов и припевов – в том месте, где пора дать слушателю свежих впечатлений. Зачастую это кульминация песни. Бридж может иметь внутренние повторы с вариациями, но он не повторяется в других местах в форме песни, что отличает его от куплетов и припевов. В поджанрах рока, по крайней мере олдскульных, эту функцию выполняет гитарное соло. Чтобы выделить его еще сильнее, продюсеры все чаще используют в больших бриджах другие инструменты и нередко меняют гармонию. Получается песня в песне. Изучите релевантные вам референсы, чтобы понять, насколько этот подход уместен в музыке, которую вам хочется делать.

Аутро – выход из песни. Он может иметь свою структуру, в которой партии инструментов потихоньку сходят на нет, либо – как было принято одно время в ХХ веке – весь трек просто плавно теряет громкость, пока не исчезнет. Аутро может вытекать из бриджа, но чаще между главным бриджем и аутро еще несколько раз повторяется припев. Еще одним, более классическим, термином для аутро является кода. Она может быть не похожа на то, что было в основной части песни, и кодой можно считать бридж, если трек заканчивается на нем без возвращения к припеву (например, как в песне Billie Eilish – Bad Guy).

Все эти элементы в разных сочетаниях составляют структуру песни, привносят в нее свои специфические функции и совместно работают на впечатление слушателя. Впрочем, стоит учитывать, что с популяризацией коротких музыкальных видео впечатление слушателей от песни сузилось до хука и может ограничиваться только им. Но не везде и не всегда: это не повод отказываться от структур, особенно если вы хотите, чтобы помимо звука в вертикальных видео ваш трек попадал в коллекции пользователей и надолго оставался в их сердцах. Это лишь повод уделять чуть больше внимания хукам и контексту, в котором песня способна завируситься.