Читать книгу «История мировой культуры» онлайн полностью📖 — Ф. С. Капицы — MyBook.
image
cover

В XIX в. в технике акварели плодотворно работали Э. Делакруа, О. Домье, П. Гаварни во Франции, А. Менцель в Германии, И. Е. Репин, В. И. Суриков, М. А. Врубель в России и др.; продолжался расцвет английской школы акварели (Р. Бонингтон, Дж. С. Котмен, У. Кэллоу, У. Тёрнер и др.). К акварели охотно обращались представители неоимпрессионизма (П. Синьяк), а также экспрессионизма, в частности А. Матисс.

Любопытно, что на рубеже XIX–XX веков акварель наряду с другими материалами используется в сочетании с белилами, гуашью, темперой, пастелью, углем, бронзовой краской и т. д.

АКВЕДУК (лат. aquaeductus, от acqua – вода и duco – веду)

Само слово обозначает открытый или закрытый водопровод для подачи воды к населенным пунктам из расположенных выше них источников. Акведуком стали называть и особый тип арочных мостов, у которых несущими конструкциями являлись стенки и днище лотка, а не только арочные опоры.

Акведуки были известны еще в древности на Ближнем Востоке, например, водовод, построенный при Синахерибе в Ниневии в 691 году до н. э. Крупные арочные акведуки впервые стали строить римляне. Первый из 14 акведуков протяженностью 16,5 километров – «Аква Аппия» – был построен в 312 году до н. э., последний был сооружен до 54 г. н. э. по указу императора Клавдия. Любопытно, что около 100 городов Римской империи получали питьевую воду с помощью акведуков. Самый длинный акведук протяженностью 132 километра был сооружен в Карфагене. Нередко поверх покрытия лотка прокладывалась дорога, и сооружение использовалось как мост. К наиболее хорошо сохранившимся акведукам относится Гарский акведук близ Нима.

АККОМПАНЕМЕНТ (франц. accompagner – сопровождать) – музыкальное сопровождение партии солиста. Древнейшая форма аккомпанемента – ритмические удары барабана, кастаньет или бубна. Они подчеркивали ритм и задавали нужный темп. Со временем искусство аккомпанемента развивалось: так, в средние века для этого использовали струнные щипковые инструменты – лютню, цитру, а затем и гитару.

В настоящее время чаще всего аккомпанируют на рояле, поскольку он обладает исключительно высокими мелодическими возможностями и хорошо дополняет певческие голоса и музыкальные инструменты. Однако для этой цели можно использовать и другие инструменты – гитару, баян, или даже ансамбли. Чаще всего с аккомпанементом выступают певцы, скрипачи и виолончелисты.

Аккомпанемент следует отличать от ансамблевого исполнения. Разница между ними заключается в том, что в ансамбле у каждого исполнителя своя музыкальная партия, а при аккомпанементе она едина для всех. Поэтому одно и то же произведение может звучать под аккомпанемент как отдельного инструмента, так и целого оркестра.

Вместе с тем многие композиторы специально пишут музыку, рассчитанную на исполнение с аккомпанементом. Это сочинения для скрипки и фортепьяно, песни, романсы. Солист и сопровождение как бы ведут диалог друг с другом: передают друг другу слово, спорят или сливаются в согласном звучании. Аккомпанемент – это не просто «фон». Задача аккомпаниатора – помочь исполнителю раскрыться, выявить все богатство написанного композитором, а также и его возможности. Поэтому известные исполнители относятся к аккомпанементу очень серьезно и подолгу выступают вместе. Только тогда достигается полная согласованность и взаимопонимание между ними.

АККОРД (итал. accord, фр. accordo – согласие) – созвучие, совместное звучание нескольких (не менее двух) разных по высоте звуков, извлекаемых, как правило, одновременно. Аккорды различаются по количеству и интервальному соотношению входящих в них звуков. Наиболее часто применяются так называемые терциевые аккорды, в которых звуки расположены по терциям, т. е. различаются не менее чем на полтора тона. Аккорды такого строения подразделяются на трезвучия, септаккорды (4 звука) и нонаккорды (5 звуков). Нижний звук в них является основным тоном, а остальные с ним согласуются.

Главным для данного музыкального приема является слитность звучания. Понятно, что особенно она важна при хоровом, многоголосном пении, а также при настройке музыкальных инструментов. Любопытно, что голос сравнивается со струной, поскольку «корда» и означает «струна». От точности настройки и согласованности звучания зависит чистота и тщательность исполнения.

АКРОПОЛЬ (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город) – возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, так называемый верхний город, крепость. В случае войны она могла использоваться и как убежище для жителей города. На акрополе находились храмы божеств – покровителей данного города, хранилище для городской казны и оружия. Наиболее известен акрополь в Афинах, столице современной Греции.

Архитектурный ансамбль Акрополя является одним из высших достижений античной архитектуры. Он создавался в эпоху Перикла (444–429 г. до н. э). Руководил строительством зодчий Фидий.

Центром афинского Акрополя является Парфенон, или храм Афины Парфенос, построенный в 400-х годах до н. э., когда Афины были могущественным и процветающим городом. Этот один из самых больших храмов Акрополя, который был и центральным местом всех празднеств, был построен для прославления богини Афины, покровительницы города. Внутри него стояла статуя Афины, выполненная известным скульптором Фидием.

Во время празднеств в Акрополь направлялось торжественное шествие, которое заканчивалось жертвоприношениями и играми.

АЛЛЕГОРИЯ (греч. allegoria) – в искусстве наглядный образ, воплощающий явление либо умозрительную идею (например, фигура с голубем в руке – аллегория мира; женщина с повязкой на глазах и весами в руке – аллегория правосудия). По определению И. В. Гёте, аллегория «претворяет явление в понятие, понятие – в образ, в такой, однако, форме, что образ остается вполне адекватным имеющему четкие пределы понятию, которое он выражает целиком». По своей функции часто сближается с эмблемой.

Наиболее распространенный вид аллегории – персонификация, т. е. создание фигуры, снабженной одним или несколькими атрибутами, поясняющими ее смысл. Сложные аллегорические изображения, требующие расшифровки, характерны для искусства поздней античности, средневековья, Возрождения, а также XVII в. (например, служанка, ищущая блох, как аллегория кающейся души и т. д.).

Аллегории встречаются и в реалистическом искусстве XIX–XX вв., нередко имея острый социально-политический смысл (например, аллегорическая фигура Революции или Свободы в картине Э. Делакруа «Свобода на баррикадах», 1830, Лувр). В XX в. аллегории распространены в монументальной скульптуре и живописи, а также в плакате и политической карикатуре.

АЛЛЕГРО

С итальянского слово allegro переводится как «весело» или «быстро», поэтому им и обозначают веселый, радостный, живой характер музыки. Для исполнителя в нотах для этого даже ставится специальная помета. Немного позже так стали называть и пьесы, написанные в этом темпе и не имевшие специального названия, – например, Большое концертное аллегро.

С середины XVIII в., когда появляются произведения для симфонического оркестра или для исполнения определенным ансамблем – симфонии, концерты, трио, квартеты и квинтеты, аллегро становится их первой частью. Композиторы, часто работавшие на заказ, да еще к определенным срокам, не имели возможности постоянно изобретать что-то совсем новое и создали четко определенную форму. Название ее – сонатное аллегро. Звучала она недолго, поскольку должна была вызвать определенное настроение у зрителей, подготавливая их к дальнейшему восприятию остальных частей. Самыми большими мастерами этой небольшой, но выразительной формы были Гайдн, Моцарт, Бетховен.

Позже сонатное аллегро использовалось многими музыкантами и композиторами, например Шубертом, Листом и Малером. Это небольшой рассказ о герое, в первой части – экспозиции – он представляется, вступает во взаимоотношения с другими персонажами, во второй (разработке) происходит его развитие, а в конце (в репризе) автор показывает, что с ним стало, как он изменился в результате конфликта. Нынешнее аллегро – форма свободная и подвижная. Главное ее качество – сочетание контрастных мелодий, постоянное движение и борьба.

АМПИР (от французского empire – имперский) – стиль, возникший во Франции на рубеже XVIII–XIX вв. Является органическим завершением длительного развития европейского классицизма. Ампир проявился преимущественно в архитектуре, скульптуре и живописи. Основная особенность данного стиля – сочетание массивных простых геометрических форм с предметами военной эмблематики – мечами, венками, щитами, копьями. Его источником является римская скульптура, от нее ампир унаследовал торжественную суровость и четкость композиции.

Ампир первоначально сложился во Франции на рубеже XVII–XIX вв. в эпоху Великой французской революции 1789–1794 гг. и отличался ярко выраженным гражданским пафосом. В период империи Наполеона I искусство должно было прославлять военные успехи и достоинства правителя. Отсюда происходит увлечение строительством различного рода триумфальных арок, памятных колонн, обелисков. Важными элементами декоративного убранства зданий становятся портики. В отделке интерьеров часто используются бронзовое литье, роспись плафонов и альковов. Для мебели в стиле ампир характерно сочетание ценных пород дерева и деталей из золота, меди или позолоченной бронзы. Здесь наблюдалась определенная эклектичность, свойственная данному стилю, – использование мотивов египетских рельефов, этрусских ваз, помпеянских росписей, греческого и римского декора.

В России ампир получил распространение уже в начале XIX века, когда в Петербурге создавались основные градостроительные ансамбли – Театральная улица, стрелка Васильевского острова, Адмиралтейство.

После победы в войне 1812 года стиль ампир стал использоваться для выражения идеи независимости и величия русского государства. Наиболее характерные постройки этого периода – памятник Минину и Пожарскому в Москве работы скульптора И. Мартоса и здание Александрийского театра в Петербурге, построенное по проекту архитектора Росси. Использовался ампир и в декоративно-прикладных целях.

Классической постройкой, выполненной в стиле ампир, считается архитектура Провиантских складов в Москве. Сочетание простых геометрических форм и нарочитая суровость плоских белых стен создают впечатление основательности и торжественной монументальности.

Несмотря на то, что к середине прошлого века стиль ампир ушел в прошлое, отдельные его элементы продолжали использоваться в архитектуре и искусстве еще в 30–50-е годы XX века.

АМФИПРОСТИЛЬ (греч. amphiprostylos, от amphi – с обеих сторон и prostylos – имеющий колонны с передней стороны) – тип древнегреческого храма, прямоугольного в плане и имеющего колонные портики на торцовых фасадах. Продольные стены амфипростиля сооружались из гладких каменных блоков и не имели украшений.

АМФИТЕАТР (греч. amphitheatron)

Уже древние римляне стали задумываться об удобстве расположения мест для зрителей. Слово «amphi» в переводе с греческого означает «кругом, со всех сторон». Theatron – театр, то есть место для зрелищ. В классическом античном театре ступенчатые ряды зрительских мест (театрон) располагались вокруг площадки полукругом. Нередко ему придавали форму эллипса, амфитеатр располагался вокруг находившейся в центре арены в виде постепенно повышавшихся уступов. Для этого часто использовали естественное расположение холмов с их склонами. Обычно они предназначались для зрелищ – боев гладиаторов, травли диких зверей, театрализованных представлений.

Архитектура амфитеатра позволяла с удобством разместить большое количество зрителей (как, например, в римском Колизее), давала возможность хорошо видеть все происходившее на арене (сцене). Подобное расположение рядов обуславливало и хорошую акустику: звук прекрасно доносился до последних рядов.

В настоящее время амфитеатром называют места в зрелищных заведениях (театрах, концертных залах, цирках), расположенные ступенчатым полукругом.

АМФОРА (лат. amphora от греч. amphoreus) – древний глиняный или металлический сосуд для жидких и сыпучих продуктов, с округлым или вытянутым туловом, двумя вертикальными ручками и узким горлом. Практическое предназначение амфор не мешало им быть и предметами искусства, они украшались росписями. Любопытно, что амфоры изготавливали и в более поздние эпохи, например в средние века (см. также Вазопись).

АНДАНТЕ

Название этого музыкального темпа произошло от итальянского слова andare – «идти» и означает «идущий шагом». Действительно, анданте соответствует спокойному, неторопливому шагу. Этим он отличается от быстрого аллегро и медлительного адажио. В музыке есть много обозначений для подобных темпов, но анданте – самый спокойный и размеренный. Сочетание медленного движения и мелодической подвижности сделало анданте одним из главных темпов в музыке XVIII века. Размеренная основательность в сочетании с изысканной точностью мелодического рисунка вызывает в памяти представление о прямых парковых дорожках, окруженных зеленью кустов.

Анданте могло быть и пьесой, но чаще так называли части более крупных произведений – сонат, концертов, симфоний. Можно даже добавить, что это самый распространенный темп медленных частей сонатного цикла.

Есть и уменьшительное слово от анданте – андантино. Характер этого темпа более плавный и мягкий. Этим термином также обозначают и темп, и часть цикла, и самостоятельную пьесу.

АНДЕГРАУНД (англ. underground – подземный, расположенный под чем-либо)

Этим понятием обозначают определенный феномен в развитии искусства в условиях тоталитарного режима. Появление андеграунда было обусловлено существованием культуры в условиях жесткого идеологического давления, невозможностью художников открыто выражать свои эстетические пристрастия (как в реалистической форме, иногда близкой к натурализму, так и в тех формах, которые могут быть названы авангардистскими). Следует отметить, что предельно суженная концепция «искусства социалистического реализма» не могла вместить и противостояла многим художественным явлениям.

В настоящее время андеграундом обозначают один из пластов современной культуры, который можно рассматривать как разновидность массовой культуры, однако социальные условия развития русской культуры показывают, что он имеет право и на самостоятельное бытование. Андеграунд следует рассматривать в общем ряду таких явлений, как «самиздат» и творчество художников третьей-четвертой волны русской эмиграции.

АНИМАЛИЗМ (лат. animal – животное) – жанровая разновидность изобразительного искусства, посвященная изображению животных.

Предметом изображения в живописи может быть практически все что угодно. Животные стали объектом искусства очень давно: первыми художниками-анималистами можно считать тех, кто рисовал оленей, бизонов, хищных зверей в первобытную эпоху. В Древнем Египте изображения животных носили стилизованный характер, поскольку считались священными. У статуй богов иногда были звериные головы. Так, у бога Анубиса, покровителя умерших, была голова шакала, а у богини войны Сохмет – львиная. В пустынях Египта до сих пор можно увидеть статуи сфинксов – львов с человеческими лицами, сделанные тысячи лет тому назад. Скульпторы Древней Ассирии создавали изваяния могучих быков, коней и львов в стремительном движении. Именно в это время возникает так называемый «звериный стиль», прежде всего у таких племен, как скифы, саки, сарматы.

Умели изображать животных и в античный период, причем появляются они и на вазах, на мозаиках, делались и скульптуры животных. В средние века в Европе были распространены аллегорические и фольклорные, гротесковые и сказочные образы птиц и зверей.

А когда же человек начал изображать животных с натуры? В Китае это произошло уже в VIII веке, в Европе – начиная с эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер). Постепенно в каждой стране появились художники-анималисты – в Голландии П. Поттер и А. Кейп (XVII в.), во Франции Ж. Удри (XVIII в.). Однако только на рубеже XIX–XX веков возникает стремление не просто изображать животных, но и изучать их. Вот почему сегодня мы считаем, что главными качествами для анималиста являются терпение, наблюдательность, владение техникой рисунка.

Выдающимися анималистами были художники XVII–XX вв. А. Кейп, П. Портер, Р. Бонер, Э. Г. Лендсир, Б. Лилиефорс, Н. Е. Сверчков, Е. А. Лансере и др.

АНСАМБЛЬ (франц. ensemble – вместе)

Данное слово имеет несколько значений и употребляется как в архитектуре, градостроительстве, так и в изобразительном искусстве, музыке. Основное его значение – совокупность, стройное целое. Оно характеризует и размещение городских построек, и планировку парка или площади, и размещение предметов на картине, и группу музыкантов-исполнителей. Всех их объединяет то, что в совокупности они должны представлять собой единое гармоническое целое. Это значит, что вокруг здания размещаются дополняющие его сооружения, зеленые насаждения, элементы благоустройства территории (дороги, парки). Сюда же можно отнести инженерные сооружения (мосты, набережные). Иногда особую роль в организации ансамбля играют и естественные условия местности (рельеф, водоемы).

Термин «ансамбль» можно применить и к группе взаимодействующих по замыслу художника произведений различных видов искусства: например, перед зданием может возвышаться органически дополняющая его скульптура или на его фронтоне будет располагаться изящная фреска, роспись или мозаика. Такой ансамбль отражает единство скульптуры, живописи и архитектуры. Иногда в композицию ансамбля включаются произведения различных видов пластических искусств (см. Синтез искусств). Например, дворцово-парковые ансамбли XVII–XVIII вв. часто дополнялись скульптурами. Один из таких садов – Версаль – создавался как резиденция французских королей, поэтому его ансамбль и должен был своей строгой красотой подчеркнуть величие и значимость правившего монарха.

Построение ансамбля достигается цельностью пространственного решения, единством масштаба, ритма и отделки зданий и сооружений, его образующих. Ансамбль создается единовременно (по единому замыслу и в одном стиле) или в течение длительного времени при дополнении первоначальной композиции иными по стилю произведениями. Важно, чтобы единство сохранялось и при перестройках, тогда современные сооружения должны органически вписываться в уже существующее пространство или постройки.

В декоративном искусстве ансамбль – художественно единая группа произведений, например монументальных росписей, декора и обстановки интерьера, или костюма, головного убора и ювелирных изделий и т. д.













...
7