С чего начать?

Если вы решили стать художником, то я осмелюсь предположить, что у вас уже есть какие-то художественные работы.

Запомните, в искусстве, которое мы с вами зовем современным, больше нет границ и рамок самовыражения. В нем есть свои законы, о которых мы поговорим чуть позже, но границ нет! Теперь не важно, как вы что-то делаете, важно зачем.

Прежде чем ступить на длинный путь художника, ответьте себе на вопрос: зачем вы это делаете? В чем идея вашего творчества?

Дело в том, что все, что находится за границами осознанности, называется хобби. Когда вы занимаетесь хобби, вам не нужно думать, кому нужно то, что вы делаете, или как это продать. Хобби – это только для вас. Бывают случаи, когда хобби перерастает в осознанное занятие, в бизнес, и приносит его владельцу прибыль. Но вы этого не достигните, просто занимаясь любимым делом.

Давайте немного поговорим о нишах искусства. Все мы слышали о таком огромном и противоречивом направлении, как современное искусство.

Современное искусство отличает наличие проблемы и актуальной темы в работах. Это может быть проблема экологии, как у Павла Отдельнова, или политический протест Петра Павленского. Первый работает преимущественно в живописной манере, тогда как второй занимается акционизмом.

Интерьерное искусство украшает дома и квартиры. Это не четко выделенная ниша, очень часто работы художников современного искусства покупают как раз для интерьеров. Однако, полистав журналы по дизайну и архитектуре, вы увидите преимущественно абстрактные работы большого размера. Почему абстрактные? Большие цветные пятна проще встроить в любое пространство.

Интерьерное искусство подвержено моде и трендам в дизайне. Художнику, который серьезно решил заняться этим направлением, необходимо посещать узконаправленные выставки и тесно взаимодействовать с дизайнерами помещений. А также следить за трендами в цвете, фактуре и формах, которые сейчас актуальны.

Салонная живопись. Этот термин уходит корнями в Париж девятнадцатого века и изначально относится к искусству, которое пользовалось поддержкой у жюри парижского Салона. Это направление не несет в себе глубокого смысла. Подражания, модные веяния и течения, коммерческая направленность – все это признаки «салона».

Любое копирование ради копирования – это путь в никуда. Эпоха постмодерна постепенно изживает себя, и теперь создавать новое куда выгоднее. Многие художники используют в своих работах образы или даже копии чужих произведений (Джефф Кунс, Филип Колберт), но в их случае это заимствование оправдывается концепцией и идеей проекта.

Художник – это следопыт, ищущий новые способы высказаться. Теперь, когда искусство не ограничено только визуальными формами, у авторов есть возможность задействовать все пять чувств зрителя. Теперь мы можем видеть, слышать и даже чувствовать запах произведений искусства. Ваша задача – найти тот способ самовыражения, который будет уникальным и выразит ваше отношение к теме, над которой вы работаете.

Ничего страшного, если вы предпочитаете работать со старой доброй живописью. Она все еще в ходу и продается лучше других видов искусства. Но будьте бдительны. Живопись – это самая популярная техника, и к ней предъявляют самые высокие требования.

Вы наверняка уже где-то слышали о том, что художнику необходимо найти свой узнаваемый стиль. Так вот, это правда. Но не в самом буквальном понимании этого выражения. Найти свой голос – или свой стиль – совершенно не означает делать из раза в раз одинаковые вещи. На свете нет такой силы, которая заставила бы художника отказаться от собственной фантазии и творить без вдохновения.

Все, что от вас требуется на начальном этапе – это выбрать тему, с которой вы будете работать. Это может быть тема извне, когда вы берете вдохновение в окружающем мире. Это также может быть какая-то внутренняя тема из вашей жизни или из вашего прошлого. Найдите то, что вас по-настоящему волнует. Вы не можете спокойно смотреть на горы мусора во дворах? Может быть, у вас было непростое детство? О чем вы бы хотели поговорить? Писать картины, снимать кино и даже писать книги – это про истории. Какую историю хотели бы рассказать именно вы?

Следующим шагом будет выбор инструмента для рассказа вашей истории. Как я уже сказала, сейчас в современном искусстве нет абсолютно никаких границ для самовыражения. Живопись, графика, фотография, видео и даже бытовые отходы – все это может стать вашим инструментом для высказывания. Очень важно помнить, что все эти медиа – только инструмент, и сами по себе они ничего не выражают.

Для таких медиа, как живопись, фотография и видео, мало одного желания ими заниматься. Вам потребуются технические навыки и знания. С приходом онлайн-образования, которым пользуюсь я сама, для изучения всех этих дисциплин не обязательно выходить из дома. Достаточно оплатить курс, который обучит вас тем или иным основам техники, и вот вы уже готовы к бою. К сожалению, дистанционное образование не сможет дать вам всей прелести общения с наставником и помощи в первых шагах. Чтобы получить профессиональные знания, вам, так или иначе, потребуются люди вокруг вас. Это такие же студенты, как и вы, и разнообразный педагогический состав. Здесь, безусловно, встает выбор между академическим направлением и краткосрочными программами. Я советую не пренебрегать ни тем, ни другим. Опирайтесь на свои возможности и опыт. Если для вас абсолютно неприемлемо сесть за парту на несколько лет, то выбирайте второй вариант. Зарубежные ВУЗы могут вам предложить магистерские программы по основным направлениям в искусстве, и я очень советую рассмотреть этот вариант, если у вас есть для этого материальные возможности.

Когда студенты меня спрашивают, стоит ли останавливаться на чем-то одном, будь то определенная техника или стиль, я отвечаю, что это существенно облегчит вам жизнь. Вы можете по вторникам писать пейзажи, а по четвергам заниматься керамикой. Или утром писать портреты, а вечером – абстрактные картины. Все это возможно, но добиться профессионализма будет очень сложно. Я не спорю с теми, кто говорит мне, что Пикассо и Уорхол с блеском совмещали различные техники и успешно продавали свои работы. Это правда, и такое бывает. Но случится ли это с вами? Мой совет всем начинающим художникам: не распыляйтесь, по крайней мере, на ранних этапах вашей карьеры.

Современный зритель – это человек гаджетов. Он ежедневно поглощает тысячи изображений, звуков и видео-контента. Удержать внимание такого искушенного человека – не просто сложная задача, она постепенно превращается в квест «миссия невыполнима». Мы с вами тоже часть этого поколения, поэтому задумайтесь на минутку, что сегодня привлекло ваше внимание больше всего? Что-то новое? Яркое? То, что вы уже где-то видели?

В этом как раз и заключается уловка «уникального стиля» художника. Чем более похожими друг на друга будут ваши произведения, тем большей узнаваемости вы добьетесь у зрителя.

А давайте немного отвлечемся и вспомним, как работает наш мозг. Зрение отвечает за 90% информации, которую он получает. Но это не совершенный инструмент. Мы воспринимаем информацию не полностью, как нам кажется, а только частично, образами. Нам достаточно увидеть объект размытым или просто заметить его периферийным зрением, чтобы понять, что это такое. Для нашего мозга любой предмет является набором цветов, форм, углов и линий. Наш мозг так быстро работает, что мы не замечаем, как любой черный квадрат на белом фоне превращается для нас в «Квадрат» Малевича.

Более того, мы запоминаем не только образы, но и эмоции, которые связаны с пережитым опытом. Вспомните, были ли у вас случаи, когда, услышав песню из прошлогоднего хит-листа, вы вспоминали не только ситуацию, при которой слушали эту песню раньше, но даже запахи, окружавшие вас в тот момент?

Когда мозг получает новую информацию, он сравнивает ее с уже имеющимся набором ассоциаций и символов. Когда происходит совпадение, мы узнаем тот или иной объект. Если необходимые для распознавания характеристики исчезают, мы перестаем узнавать предмет.

Создавая какие-либо художественные произведения и показывая их публике, вы приучаете ее к тому, что именно эти формы, этот стиль ассоциируются с вашим именем. Нет ничего плохого в том, что ваш стиль когда-нибудь изменится, а формы перейдут из академических в абстрактные. Но будьте готовы к тому, что вам придется приучать к этому свою публику. От вас все так же будут ждать той узнаваемости, которую вы когда-то подарили, и тогда вы встанете перед непростым выбором: делать то, что нравится людям, или открывать новые горизонты творчества, пожертвовав популярностью узнаваемого автора.

В начале творческого пути эксперименты неминуемы. Вы пробуете себя в разных жанрах, ищете то, что наилучшим образом позволит вам выразить себя. Нет художников, которые были бы знамениты за то, что они испробовали все. Также никто не гарантирует вам, что иное направление неминуемо принесет славу и богатство. Но есть больше шансов получить признание, если максимально сузить круг своих интересов и выработать высокий профессионализм именно в этих узких направлениях.

Когда вы создаете произведения, вы, чаще всего, не думаете о том, как их презентовать или что о них написать. Вы берете материал и работаете с ним. Однако неминуем тот миг, когда вам срочно нужно будет показать кому-то свои работы или отправить портфолио на почту куратора. К этому моменту я призываю вас подготовиться заранее. Не стоит ждать той минуты, когда будет поздно: вы пропустите дедлайн просто потому, что не готовы.

Создание портфолио – это бесконечный процесс. Сколько вы будете заниматься творчеством, столько будете дорабатывать портфолио.

Портфолио включает в себя:

– Сопроводительное письмо. Вы же не отправите прикрепленный файл без какого-либо приветствия и представления себя? Каждый случай требует особого подхода. Если вы знаете имя человека, который получит ваше письмо, назовите его по имени. Объясните причину, по которой он получил это письмо, вежливо попросите рассмотреть ваши документы. Письма читают люди, и от того, понравитесь вы человеку или нет, может зависеть судьба ваших отношений.

– Биография или Био. Это краткая история вашего творческого пути. Био может включать в себя место, где вы родились, название учебного заведения, знаковые события, связанные с вашей карьерой. Здесь же можно рассказать, как именно вы пришли к тому, чем занимаетесь, что вас вдохновляет, какие художники на вас повлияли.

– Artist Statement. На русском это звучит как «кредо художника» (не самое звучное название, но что имеем…) Artist Statement – это короткое (или не очень) описание вашей творческой деятельности. Оно включает в себя разъяснения о деятельности художника, его методах, идеях, намерениях и материалах, с которыми он работает.

– Резюме/CV. По американской традиции эти два документа отличаются тем, что в резюме вы указываете только полученное образование в сфере искусства, если такое имеется, и выставочную деятельность. Начать лучше всего с самой недавней и продвигаться вглубь, к самым давним выставкам. CV – это резюме для работодателя. Если вы захотите устроиться на работу в зарубежный музей, вам потребуется именно CV.

– Фотографии работ. Самое главное в вашем портфолио. Надеюсь, не нужно объяснять, что качество изображений должно быть очень хорошим, никто не станет всматриваться в расплывчатое, нерезкое изображение или утруждать себя звонком художнику с просьбой прислать более четкие снимки. Каждое произведение должно быть подписано: название (если есть), материалы, размер, год создания.

– Описание серии/проекта. Если бы мы говорили о выставочном проекте, здесь был бы пункт «Экспликация», в портфолио же будет достаточно описания, написанного самим художником. Расскажите о том, как вам пришла в голову мысль создать эту серию, чем вы руководствовались при выборе метода и материалов. Ответьте на вопрос: «Что же хотел сказать художник»!

– Статьи и ссылки. Если о вас когда-либо писали в прессе, вы также можете включить эту информацию в портфолио. Сделайте скриншот статьи или вставьте активную ссылку, этого будет достаточно.

– Контактные данные. Этот пункт самый важный, но стоит он на последнем месте потому, что я уверена, вы все о нем помните. Если нет, то укажите свой номер телефона и адрес электронной почты не только в конце портфолио, но и на титульной странице.

Позиционирование – это процесс, который поможет вам не только успешно продавать свои произведения, но и найти представителя для себя в лице галереи. В позиционирование художника входят следующие понятия: собственный стиль, ниша, материалы, которые вы используете, и самое главное – ценовая категория, в который вы хотели бы работать. Давайте разберемся на примере. Если ваша цель – создание дорогих произведений стоимостью от 300 000 рублей, то нужно понимать, во-первых, где найти аудиторию, которая сможет себе позволить приобрести вашу работу, во-вторых, выяснить вкусы этих людей, в-третьих, выстроить такой сервис, который будет приемлемым при общении с подобными покупателями. Под сервисом я подразумеваю: сайт, доставку, примерку работы на дому, возврат и общение. Если у вас неудобный сайт, который подолгу не обновляется, а на сообщения вы отвечаете только раз в неделю, то не стоит ожидать больших продаж с такой отдачей. Люди переплачивают за место в бизнес-классе самолета не потому, что они так быстрее долетят до места назначения, а потому, что в бизнес-классе больше места для ног, стеклянные бокалы вместо пластика и отдельный туалет.

Помните такие выражения: «Они позиционируют себя как люксовый бренд» или «Это первоклассная компания, им можно доверять»? Все это вы можете сделать и для себя. Адекватно оценивайте ваше предложение и ценность вашей работы и ищите баланс, который примут ваши клиенты, и который будет устраивать вас.

Клиенты захотят работать с вами, потому что:

– Они вас знают. То есть покупатель должен знать, кто вы и как выглядят ваши работы. Показывайте свои работы столько раз, сколько будет необходимо. Не пренебрегайте выставками и онлайн-ресурсами, задействуйте все сферы, где ваш покупатель мог бы познакомиться с вами и вашим творчеством.

– Вы им нравитесь