© МПГУ, 2018

© Богатырёва Н. Ю., 2018

* * *

Моим родителям Татьяне Семёновне и Юрию Петровичу Богатырёвым с благодарностью

Золотая душа детской книги

Замечательный детский писатель Юрий Коваль говорил, что лучшие люди на земле – художники. Особенно художники-иллюстраторы детских книг. От них зависят первые впечатления ребёнка от книги. Ведь в детстве иллюстрация первична, а текст вторичен. Неудачные рисунки могут оттолкнуть от самой замечательной книги и навсегда отбить у ребёнка вкус к чтению. На рубеже XX–XXI веков в детской книжной графике (и не только в ней) случилась настоящая катастрофа. Практически исчезли с прилавков книги с иллюстрациями прекрасных отечественных художников-профессионалов, на которых выросли миллионы советских детей (а хорошие книги издавались в СССР тиражом в сотни тысяч экземпляров и доходили до полумиллиона). Захлестнула волна чудовищной безвкусицы, откровенной пошлости, убогого и неудачного подражания американской, в основном диснеевской продукции. Мне как преподавателю детской литературы на протяжении более десяти лет постоянно приходится слышать сетования родителей, студентов (иногда это одно и то же), коллег-педагогов: куда исчезли детские книги с потрясающими иллюстрациями художников 60–80-х годов XX века? И как защитить детей от потока агрессивной вульгарности?

Сегодня ситуация изменилась. Читателю возвращено лучшее из отечественного книжного наследия XX века. «Издательство Мещерякова» и «Мелик-Пашаев» специализируются на книгах с иллюстрациями советских художников, выпуская аутентичные издания, полностью повторяющие книги 1970–80-х годов (но, конечно, с гораздо лучшей полиграфией). Классические иллюстрации художников XX века используют в своих книгах издательства «Детская литература», «Росмэн», «Тримаг». В последние годы появилось много молодых талантливых российских художников, с иллюстрациями которых выходят книги издательств «Самокат», «КомпасГид», «Настя и Никита», «Поляндрия», «Беринга», «Карьера-Пресс», «Эгмонт», «Энас-Книга» и др.

Цель данного издания – рассказать будущим и нынешним руководителям детского чтения о выдающихся отечественных художниках-иллюстраторах детской книги XX века, особенно его второй половины, помочь сориентироваться в книжном потоке. Материалом для монографии послужило творчество художников, ставших классиками отечественной книжной графики XX века (но не все: нельзя объять необъятное). В монографии рассмотрены творческие тандемы «писатель – иллюстратор». Многолетнее содружество авторов позволяет наиболее полно раскрыть идею произведения средствами книжной графики. Удачно выбранный визуальный образ позволяет наиболее полно воплотить идею и реализовать художественную задачу, поставленную писателем в тексте и верно понятую и талантливо воплощённую художником.

Борис Алимов, председатель отделения художников книги Московского союза художников, справедливо заметил: «Я считаю, что серьезные хорошие художники появились уже в 70–80-е годы, такие, как Митурич, Попов, Костин, Монин, Васильев, Спирин, Калиновский, Кошкин… Вот они подняли этот уровень гораздо выше и сделали принципиально важную вещь – заострили внимание на проблеме взаимоотношения художника и текста. Художник в книге стал существовать более автономно, он стал выражать себя более сложно, иной раз – иносказательным языком. Иллюстрации стали не просто сопровождающим элементом текста, а самодовлеющей ценностью в книге. Это очень важная веха, потому что даже «мирискусники» выполняли в книге лишь две функции – украшательскую и познавательную, хотя и мастерски сплавили их в новое единство. А художники, о которых я говорю, заявили еще и право художника выражать и свое отношение к тексту, к самой графике, к ее эстетическим возможностям».^[1]

Чем больше узнаёшь о судьбах, характере и мировоззрении художников любимых книг детства, тем больше открываешь закономерностей. Все они – творцы удивительных, непохожих друг на друга, живых и радостных миров. Все в душе остались детьми. И у всех главные черты натуры – доброта и щедрость, терпение и нестяжательство, остроумие и оптимизм, скромность и полное отсутствие тщеславия. Ясные, золотые души.^[2]

Раздел 1
Добрый свет Серебряного века

Владимир Фаворский: «Научиться видеть мир»

Талант этого Мастера многогранен. Художник-график и художник-монументалист, мастер гравюры, искусствовед, сценограф, педагог… И всё с эпитетом «выдающийся». Владимир Андреевич Фаворский родился 14 марта 1886 года в Москве, здесь же и скончался 29 декабря 1964-го. Он действительный член Академии художеств и народный художник России. Его дед был священником, отец – юристом, по молодости разделявшим революционные взгляды, а впоследствии ставшим депутатом Государственной думы. Его мама – дочь архитектора, искусствоведа Владимира Шервуда. Его дядюшки по материнской линии – известные архитекторы: представитель историзма Сергей Шервуд и модернист Владимир Шервуд. Третий его дядюшка – скульптор Леонид Шервуд (а все они потомки английского механика Шервуда, который в 1800 году по повелению Павла 1 был приглашён на службу в Россию)… Его прадед был женат на художнице-акварелистке Елизавете Кошелевской… А дед Фаворского, Владимир Шервуд, по приглашению Чарльза Диккенса прожил 5 лет на «исторической родине» и написал семейный портрет великого писателя. Как в такой среде и с такими генами Фаворскому было не вырасти художником? Он и женился на дочери художника – Марии Дервиз, которая по материнской линии была в родстве с Валентином Серовым…

Об этой своей генетической «обречённости» стать художником Владимир Фаворский писал: «Начал я рисовать, потому что рисовала мать, а она рисовала потому, что дед был художником…Таким образом, создалась художественная линия в семье. Я воспринимал рисование как приятное занятие, не собирался кого-нибудь поучать или вести за собой… А когда вошёл в мир искусства и понял красоту его, то захотелось, чтобы другие также видели его, научить их видеть этот мир».

С самого детства Фаворский много и упорно учился живописи и рисунку. Сначала в частной художественной школе К.Ф. Юона, одновременно посещая вечерние скульптурные классы Строгановского училища. После окончания гимназии поступил на экономический факультет Мюнхенского университета, но тяга к искусству пересилила. Он ушёл в частную академию Шимона Холлоши, слушал курс у Карла Фолля по истории искусства на философском факультете Мюнхенского университета. Много путешествовал, знакомясь с шедеврами живописи, ваяния и архитектуры в Италии, Австрии и Швейцарии. У Шимона Холлоши Фаворский взял принцип «цельного видения натуры», когда природа не копируется слепо и бездумно, а передаётся в самой своей сущности. Этому принципу художник был верен всю жизнь, а о своём учителе говорил: «Он первый приоткрыл мне дверь в искусство и научил искать в натуре художественную правду». Потом было возвращение в Москву и учёба в университете на искусствоведческом отделении историко-филологического факультета. Фаворский оказался среди первых студентов только что открытого отделения и вместе со своими однокурсниками стал первым специалистом-искусствоведом, выпущенным МГУ. С тех пор Владимир Фаворский написал огромное количество искусствоведческих, теоретических статей. Им созданы три больших цикла теоретических работ, в которых сконцентрирована его философская мысль как художника-искусствоведа: «Теория композиции», «Теория графики» и «Теория книги». Это итог размышлений Фаворского о «пространственной философии», в котором отражено его представление о роли плоскости в изобразительном искусстве и различное понимание этой роли в искусстве разных стран и эпох, от Древнего Египта, европейского Возрождения до современности.

В 1908-м появились первые гравюры Фаворского. Вскоре начинается серьёзная работа над книжным шрифтом и рисунками к книгам. В 1909-м им сделаны иллюстрации к стихотворению «Эрот» А.Шенье в технике ксилографии. В 1910-м оформил первую книгу и в этом же году впервые начал выставляться. Причём среди его работ – деревянные скульптуры и гравюры на дереве. Разносторонняя талантливость Фаворского выражалась и в его знании языков. Ещё учась в Мюнхене, он освоил немецкий и впоследствии перевёл на русский язык книги немецких скульпторов и искусствоведов.

Но Фаворский не был рафинированным салонным художником. Он разделял все горести родной страны. Три года воевал на Первой мировой, причём на переднем фланге. За что и был удостоен Георгиевского креста и получил звание прапорщика. А после возвращения с фронта снова с головой окунулся в любимую работу. Преподавал живопись и рисунок в Свободных художественных мастерских, организовал Театр марионеток, петрушек и теней, для спектаклей которого изготовил деревянных кукол («Давид и Голиаф» М.В.Королькова, «Сказка о золотой рыбке» А.С.Пушкина, «Лутонюшко» А.Ф.Афанасьева). Но тут очередная мобилизация, теперь в Красную Армию. И снова Фаворский честно исполнил свой гражданский и воинский долг: прошёл всю гражданскую войну. После войны преподавал в качестве «профессора по деревянной гравюре» во ВХУТЕМАСе – Московских Высших художественно-технических мастерских. Возглавлял кафедру ксилографии графического факультета. Тогда же им написаны «Лекции по теории композиции» и курс «Теория графики». В.Фаворский был ректором ВХУТЕМАСа, и историки справедливо считают, что период наивысшего расцвета этого знаменитого учебного заведения связан именно с ним. Фаворскому были подвластны все изобразительные техники: живопись, графика, фреска, сграффито, мозаика… Недаром его называют художником-мыслителем, близким по духу мастерам эпохи Возрождения.

1920-е годы – время бурного развития книжной иллюстрации. Фаворский увлечённо откликается на веяние времени и иллюстрирует книги «Кремль. Свердловский зал» (1921), «Эгерия» П. П. Муратова (1921), «Домик в Коломне» А. С. Пушкина (1922), «Рассказы о животных» Л. Н. Толстого (1929), «Книгу Руфь». (1921). Всё в его книгах продумано до мелочей, проникнуто одной идеей и находится в гармонии с писательским стилем: и обложка, и титульный лист, и шрифт, и сами рисунки. К тому, что делал в книжной графике Фаворский, подходят его собственные слова, которые являются и его художественным кредо: создавать «мир в пределах, ограниченных рамой или контурами, бесконечно сложный и цельный».

Исследователи его творчества отмечали, что по духу и художественному мировоззрению Фаворский близок к мастерам византийской мозаики, к Микеланджело и Врубелю. Да, он умел соединить в рисунке разные эпохи и пространства, так что они не противоречили, а дополняли друг друга, создавая объём и многозначность. Это была целая система художественных приёмов, разработанных Фаворским. Он придумал такие многофигурные композиции, в которых то, что было до и после действия, изображённого на основном рисунке, выносилось как бы «за поля» и было своеобразной рамкой главной иллюстрации. Фаворский изобрёл и принцип «повествовательных» серий, когда маленькие иллюстрации помещались прямо напротив соответствующего текста.

Много работал Фаворский над психологической глубиной и убедительностью образов. Это особенно заметно в самых знаменитых его работах 50-х годов: в иллюстрациях к «Слову о полку Игореве», «Борису Годунову» А. С. Пушкина (1954–1955), «Маленьким трагедиям» А. С. Пушкина. Иллюстрации к «Каменному гостю» считаются шедевром творчества В.Фаворского. В них поражают психологическая глубина и обезоруживающая искренность каждого персонажа, стремительность внутреннего ритма иллюстрации и философская многозначность символов… Большую роль в оформлении художественного текста Фаворский отводил орнаменту. По его мысли, орнамент – не просто украшение книги. Он призван передать дух эпохи, о которой повествует произведение.

В.Фаворский оформил стихи Р.Бернса в переводе С.Маршака, Н.Кончаловской («Наша древняя столица»), «Ивана Фёдоровича Шпоньку и его тётушку» Н.В. Гоголя, произведения М.Пришвина и многие другие. И всегда оставался верным своим художественным и человеческим принципам.

В.Фаворский как личность – человек высокой порядочности и мужества. На фронтах Великой Отечественной войны у него погибли оба сына – он стоически принял эту страшную данность. А вот дочь вышла замуж за сына его гимназического друга, священника Михаила Шика, – Дмитрия Шаховского. Мастерская Фаворского в Доме художников в Новогиреево, построенном в 20-е годы четырьмя московскими художниками, перешла по наследству Дмитрию Михайловичу Шаховскому. Он не посрамил памяти своего тестя и стал прекрасным скульптором. Всей Москве известны его работы: часы на Кукольном театре им. С.Образцова, храм Святых Новомучеников и Исповедников Российских в Бутово, памятник О.Мандельштаму. Но это уже другая история…